Porträtinterview mit Stéphan Gaubert, Dirigent bei den „Victoires de la Musique“ und künstlerischer Leiter des Rachmaninow-Konservatoriums in Paris.
Stéphan Gaubert, ein renommierter Dirigent, der das Orchester der „Victoires de la Musique“ auf France Télévisions leitet, war auch an den Aufzeichnungen anderer berühmter Musikfernsehsendungen wie „La Nouvelle Star“ oder „Danse avec Les Stars“ beteiligt. Als eine der führenden Persönlichkeiten der französischen Musik- und Medienwelt ist Stéphan Gaubert heute künstlerischer Leiter und Vizepräsident des Rachmaninow-Konservatoriums in Paris. Orchestrierung und Zusammenstellung eines Orchesters nach Stéphan Gaubert: Ein Blick auf den Beruf des Arrangeurs und Dirigenten.
Was hat Sie dazu bewogen, diesen Beruf als Dirigent zu ergreifen?
Ich stamme selbst aus einer Musikerfamilie. Mein Vater ist Orchesterarrangeur* und Dirigent. Für mich als Kind war Musik daher ganz einfach so etwas wie die Schule. Letztendlich kam das dann ziemlich schnell.
*Anmerkung der Redaktion: Ein Orchestrator hat die Aufgabe, eine harmonische Idee für ein Orchester zu transkribieren und zu gestalten. Oft findet ein reger Austausch zwischen dem Orchestrator und den Komponisten statt, um dem Geist der Originalkomposition gerecht zu werden.
Haben Sie sich von Komponisten inspirieren lassen?
Ja, wie viele Musiker. Das hängt dann aber vom Studium der verschiedenen Stile ab. Wenn man am Pariser Konservatorium aufgenommen wird, lernt man zunächst, zu harmonisieren oder zu komponieren. Anschließend lernt man, im Stil der Komponisten zu komponieren. Ich zum Beispiel habe meine Abschlussprüfung im Stil von Ravel und Mozart abgelegt. Man lernt, nachzuahmen. Wie Ravel selbst sagte: „Ahmt nach! Wenn ihr Talent habt, wird es sich zeigen!“ Um zu komponieren, muss man die musikalische Sprache in ihrem möglichst weit gefassten Umfang beherrschen.
In welchem Alter haben Sie zum ersten Mal ein Instrument gespielt?
Ich kann mich gar nicht mehr daran erinnern. Ich war noch ein Kind, und mein Vater gab mir Unterricht. Als ich meine ersten Noten auf dem Klavier spielte, malte er drei Farben auf die Tasten. Ich würde sagen, das war so mit sechs oder sieben Jahren, ungefähr so.
Wie würden Sie einen Tag der Vorbereitungen für die Aufzeichnung der „Victoires de la Musique“ beschreiben?
„Les Victoires de la Musique “ ist eine der Sendungen, die das Glück hat, über die Mittel zu verfügen, die ihren Ambitionen entsprechen – was immer seltener wird. Denn wir haben die Möglichkeit, zwei Tage lang mit dem Orchester zu proben, an denen wir uns ausschließlich um die Musik kümmern. Und danach sind wir ab Dienstag, Mittwoch, Donnerstag und Freitag mit den Künstlern auf der Bühne. Drei Tage lang proben wir mit den Musikern, und am Freitag machen wir dann eine Generalprobe mit der Live-Übertragung am Abend – so etwas gibt es sonst gar nicht mehr. Da jeder versucht, die Budgets so weit wie möglich auszuschöpfen, um möglichst rentabel zu sein, haben wir oft weniger Proben. „Les Victoires“ ist eine Sendung, die mehr Möglichkeiten und größere kreative Ambitionen zulässt.
Bei den „Victoires de la Musique“ kann man mit den Songs so viel Spaß haben wie nirgendwo sonst, denn es gibt dort wirklich viel Freiraum. Das ist auch der Vorteil dieser Sendung: Sie ist die größte Musiksendung in der französischen Medienlandschaft, daher wird nicht an Mitteln gespart. Darüber hinaus wird hier wirklich auf Qualität geachtet, was bei anderen Sendungen nicht unbedingt der Fall ist.
Die „Victoires de la Musique“ dienen auch dazu, neue Talente zu entdecken. Insbesondere Christine And The Queens hat dadurch den Durchbruch geschafft, ebenso Clara Luciani, die sich bei den „Victoires“ so richtig ins Rampenlicht gespielt hat. Es gibt viele, viele, viele Künstler, die das Glück haben, dank dieser Sendung entdeckt zu werden, denn letztendlich ist es die einzige Sendung, die Künstler auszeichnet, und diese Künstler werden von der Branche gewürdigt. Es handelt sich nicht um eine Publikumsabstimmung: Es sind die Fachleute, die abstimmen.
Wie viele Instrumente kommen bei einer solchen Orchesteraufnahme zum Einsatz?
Insgesamt zähle ich etwa dreißig Musiker, die verschiedene Instrumente spielen: Gitarre, Bass, Schlagzeug und zwei Keyboards. Außerdem habe ich Rhythmusgruppe, erste und zweite Violinen, Bratschen und Celli, ein Streichorchester und eine Blechbläsergruppe.
Und Sie persönlich: Wie viele Instrumente beherrschen Sie auf professionellem Niveau?
Ihr seid nicht die Ersten, die mir diese Frage stellen. Das Wichtigste bei der Orchestrierung ist nicht die eigentliche Technik des Instrumentenspiels. Es geht darum, die Intensitäten und die Lautstärke zu kennen und zu wissen, dass es bei einem bestimmten Instrument in einem bestimmten Tonumfang Schwierigkeiten hinsichtlich der Beweglichkeit, aber auch hinsichtlich der Lautstärke im Vergleich zu den anderen Instrumenten geben kann. Wenn Sie zum Beispiel eine Flöte im tiefen Register schreiben, die einen wirklich wichtigen Teil spielt, und Sie dann aus Spaß Trompeten und Posaunen in denselben Tonumfang setzen, haben Sie keine Chance, Ihre Flöte im tiefen Register zu hören. Orchestrieren zu können bedeutet, die natürlichen Gleichgewichte des Orchesters zu kennen. Außerdem sind die Anschlagstärke und die Beweglichkeit der Flöte mit denen der Posaune nicht zu vergleichen.
Was zeichnet einen guten Orchestrierer aus?
Man muss zunächst beobachten, was unsere Meister getan haben, um überhaupt eine Chance zu haben, ein gutes Verständnis davon zu entwickeln, was ein Orchester ausmacht. Es reicht nicht aus, etwas in einen Computer zu programmieren und sich dann damit zufrieden zu geben, die Musiker spielen zu lassen. Man erhält ein verzerrtes Bild der akustischen Realität der Instrumente und vor allem fehlt einem das Verständnis für die eigentliche Kompositionsweise der Instrumente und deren Einsatzmöglichkeiten in dem einen oder anderen Kontext.
Bei der Erstellung einer Orchestrierung sind mehrere Aspekte zu berücksichtigen. Zunächst einmal gibt es das Verhältnis zur Zeit (das „ rythm “), das Verhältnis zum melodischen Element, das im Vordergrund stehen wird, und das Verhältnis zum Hintergrund (die Harmonie). Und oft wird gerade dieses Verhältnis vergessen. Das heißt, das, was den Rahmen um das Ganze bildet und es begleitet. Auf dieser Grundlage haben Sie vielleicht die Chance, eine interessante orchestrale Lesbarkeit zu erzielen.
Haben Sie als Orchestrator technische Tricks, um sich an alle Instrumente eines Orchesters anzupassen?
Natürlich. Ich hatte einen Lehrer, Pierre Jansen, einen Komponisten, der die Musik für alle Filme von Chabrol geschrieben hat, der uns erklärte, dass Orchestrierung eigentlich keine Wissenschaft, sondern eine Kunst sei. Und das stimmt: Erst durch Erfahrung und das Lesen von Partituren beginnt man, die Möglichkeiten des Orchesters zu erahnen.
Wichtig ist, dass man sich die Zeit nimmt, Orchesterpartituren zu lesen: die Orchestrierungen unserer Zeitgenossen John Williams oder John Corigliano aus der zeitgenössischen Musik, aber auch die von eher klassischen Komponisten wie Mozart oder Beethoven.
Ich würde sagen, was die Orchestrierung angeht, sollte man mit Mozart beginnen und sich schrittweise bis in die Gegenwart vorarbeiten. Die Idee dahinter ist, eine Palette verschiedener Klangfarben zu haben und zu wissen, wie man sie in seiner Arbeit sinnvoll einsetzen kann.
Musik ist ein bisschen wie Malerei: Die anfängliche Skizze entfaltet ihre wahre Dimension erst dann, wenn man die gesamte Struktur eines Gemäldes versteht. Wenn man einen ganzheitlichen Blick auf alle Maltechniken hat, gibt man sich selbst eine kleine Chance, etwas zu schaffen, das Sinn ergibt.
In welchem Zusammenhang haben Sie die Newzik-App entdeckt?
Ich habe Newzik dank eines Freundes entdeckt, Loïc Pontieux, der Schlagzeuger ist und auf den Tourneen von Véronique Sanson gespielt hat. Loïc sagte mir: „Es gibt da eine tolle App. Außerdem ist es ein französisches Start-up.“ Also habe ich einen Termin mit ihnen vereinbart. Damals drehten wir „Nouvelle Star“, das war vor etwa zehn Jahren. Es war das erste Mal, dass wir iPads einsetzten. Stellen Sie sich das mal vor: Vor zehn Jahren eine ganze Live-Sendung zu machen und dabei alle unsere Noten auf iPads zu speichern! Damals hatten alle Angst davor.
Das waren die ersten großen iPads, auf denen man Noten wirklich lesen konnte. Und so haben wir gemeinsam die Kinderkrankheiten überwunden. Sie kamen, weil sie dabei viel über unsere Arbeitsweise lernten, und ich fand das gut. Dafür gibt es mehrere Gründe. Ihr wisst ja, dass wir viel Papier verbrauchen. Bei jeder Sendung erstellen wir Noten für alle und werfen das Ganze anschließend in den Müll.
Haben Sie dank der App Veränderungen in Ihrer musikalischen Praxis festgestellt?
Ich habe echte Veränderungen beobachten können. Nehmen wir zum Beispiel einen Sänger, der krank wird und dessen Ton tonality sich verändert hat. Der große Vorteil von Newzik ist, dass man seine Ton tonality in Echtzeit anpassen kann. Das ist ein großer Pluspunkt.
Man kann die sogenannte amerikanische Notation nehmen und sie auf mehr als ein Halbtone übertragen. Das spart unglaublich viel Zeit, umso mehr, seit wir alle unsere Partituren direkt in der Software haben. Wenn ich also eine Transposition vornehmen möchte und bestimmte Noten habe, kann ich diese mithilfe externer Notensatzprogramme ändern und sofort die PDF-Dateien extrahieren, um sie direkt an das Orchester weiterzugeben. So erhält jeder Musiker sie in Echtzeit in seiner Newzik-App.
So muss nicht alles ausgedruckt werden! Bei kleinen Änderungen an der „ tonality “ oder den Noten können Sie Ihre Ebene mit Ihren Anmerkungen und Bogenführungen direkt abrufen und auf Ihre Notenblätter übertragen.
Kommt es vor, dass Sie Ihre Partituren während der Aufzeichnung einer Sendung mit Anmerkungen versehen?
Oft bin ich im Orchester sehr beschäftigt. Und wenn der Sänger dabei ist, muss man sich um ihn kümmern. Mein Kopist kümmert sich um diesen Aspekt, damit ich weiterarbeiten kann, und erstellt mir einen neuen Export. Er schickt mir den Speicherort, an den alles exportiert wurde, über ein Tool wie oder Dropbox. Ich speichere die Partituren in der Newzik-App und teile die Dokumente anschließend direkt per AirDrop mit dem gesamten Orchester. Ohne Newzik müsst ihr alles von vorne von Hand abschreiben. Mit der App ruft ihr eure Ebene mit einem Klick ab und wendet sie auf die neue Partitur an.
Hinzu kommt der praktische Aspekt der Zeitersparnis, wenn man die Seite einer Partitur mit dem Pedal umblättert.
Was ist Ihre Lieblingsfunktion im Newzik-Tool?
Ganz klar: die Transponierung. Die Möglichkeit, auf XML umzuschalten und die Noten sofort transponiert zu haben, sodass man direkt mit dem Sänger spielen kann – auch wenn man das Ganze anschließend noch sauber schreiben muss –, ist für mich die wichtigste Funktion, die die Stärke von Newzik ausmacht.
Im Allgemeinen wird alles im Eiltempo erledigt: Die Stärke von Newzik liegt darin, dass sich Änderungen und Anpassungen an den Notenblättern im Handumdrehen vornehmen lassen.
Haben Sie bei Ihren Aufnahmen für die „Victoires de la Musique“ einen besonders prägenden Moment erlebt?
Was uns besonders in Erinnerung bleibt, sind nicht die technischen Details, sondern vor allem die künstlerischen Momente. Ich erinnere mich zum Beispiel an den Auftritt der Newcomerin November Ultra. Sie war sehr gerührt und hatte Tränen in den Augen. So etwas bringt das ganze Orchester zur Ruhe. Bei der Probe war eine echte emotionale Atmosphäre zu spüren.
Möchten Sie noch etwas zu Ihrer Nutzung von Newzik hinzufügen?
Ja, da gibt es eine sehr wichtige Sache. Es ist lustig, aber als ich vor 10 Jahren angefangen habe, Newzik zu nutzen, brauchte ich noch keine Brille. Die Möglichkeit, eine Partitur nach Belieben zu vergrößern und im Detail zu betrachten sowie die Anordnung der Stimmengruppen auf einen Blick zu erkennen, ist ein echter Vorteil gegenüber dem Papier.
Als Führungskraft muss man nicht unbedingt alle Details kennen. Aber wenn man vielleicht auf einen Tippfehler stößt, hat man den Vorteil, dass man ihn ziemlich schnell erkennt, wenn man ihn auf dem Bildschirm vergrößert, anstatt sich über das Blatt zu beugen.
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