Thomas Nguyen begann im Alter von fünf Jahren mit dem Klavierspiel und entdeckte am Regionalkonservatorium von Reims die großen Meister der klassischen Musik. Sein Repertoire umfasst Opern, musikalische Märchen, Musicals sowie Kammermusik, Vokal- und Instrumentalwerke. Neben Bühnen- und Konzertmusik komponiert Thomas Nguyen regelmäßig Musik für Dokumentarfilme (ARTE, France TV). Er arbeitet weiterhin als Pianist, Arrangeur oder musikalischer Leiter mit zahlreichen Künstlern zusammen, die für das zeitgenössische Musikschaffen stehen, und nimmt an verschiedenen Tourneen in Frankreich und im Ausland teil.
Das Abenteuer der Partitur – von der Melodie bis zur Komposition
Die Entstehung einer Partitur ist ein recht langwieriger Prozess. Manchmal vergehen mehrere Wochen oder sogar Monate zwischen dem Aufkommen der Idee, dem Moment des Schreibens und Schaffens und der ersten öffentlichen Aufführung eines Werks. Zuallererst geht man in der Regel von einer Vorlage aus: einem Text, einem Gedicht, einem Roman. Diese Vorlage weckt Bilder, Farben, Empfindungen und schließlich eine Struktur. Man muss die Dinge erst innerlich vor Augen haben, bevor man anfängt, sie aufzuschreiben.
In diesem gedanklichen Rahmen entstehen Ideen für Melodien, Harmonien, rhythmische Figuren usw. Genau in diesem Moment beginnt man, die Ideen zu Papier zu bringen und die Partitur zu komponieren.
Das Instrument: ein unverzichtbares Werkzeug für das Schaffen
Das Klavier ist ein unverzichtbares Werkzeug in meinem kreativen Prozess, denn es ermöglicht mir, die Musik konkret zu hören und sie körperlich zu spüren. Persönlich nutze ich es auch als Instrument zur Reduktion, wenn ich für größere Besetzungen komponiere. Manchmal setze ich mich an meinen Schreibtisch, ohne eine konkrete Idee zu haben, und lasse meiner reinen musikalischen Fantasie freien Lauf. Diese Methode hat jedoch eher mit Improvisation zu tun, und ich halte die dabei entstehenden Ideen nur sehr selten fest.
Das Komponieren einer Partitur erfordert anspruchsvolles und präzises technisches Know-how: Harmonielehre, Orchestrierung, die für die verschiedenen Orchesterinstrumente spezifischen Tonlagen und Spieltechniken usw.
Ein Großteil dieses Know-hows wird durch das Studium der Musik erworben. Die Begegnung mit einem Interpreten ist anschließend von entscheidender Bedeutung für den Entstehungsprozess neuer Musik.
Die Komposition – ein menschliches Abenteuer zwischen Fachwissen und Kreativität
Jedes Projekt ist ein neues Abenteuer – sowohl musikalisch als auch menschlich –, das meist durch die Begegnung mit einem Interpreten entsteht.
Lassen Sie mich ein ganz konkretes Beispiel anführen, denn während ich diesen Artikel schreibe, habe ich gerade die Komposition einer Partitur für Harfe und Bassposaune fertiggestellt, die von Annabelle Jarre (Harfenistin) und Cyril Bernhard (Posaunist) in Auftrag gegeben wurde. Noch bevor wir überhaupt damit begannen, über Ideen nachzudenken, haben wir Zeit miteinander verbracht, um Musik zu spielen, über die Besonderheiten der einzelnen Instrumente zu sprechen und Partituren zu lesen.
1. Das Eintauchen in das Werk
Eine erste Phase des Eintauchens in die Materie war unerlässlich und ermöglichte es, sich ein genaueres Bild von den technischen Möglichkeiten der Bassposaune und der Harfe sowie von den Klangfarben zu machen, die durch die Vermischung der Klangfarben entstehen. Anschließend galt es, sich der Literatur zuzuwenden, um das passende Stück auszuwählen.
Ich habe mich entschlossen, mich mit der Mondtriade auseinanderzusetzen, und habe dieses Werk „Die drei Lieder des Mondes – Melodien für Bassposaune und Harfe“ betitelt. In der griechischen Mythologie umfasst die Mondtriade drei Gottheiten – Hekate, Selene und Artemis –, deren Darstellungen und Symbolik sehr unterschiedlich und doch komplementär sind. Diese drei Gesichter des Mondes schienen mir die ideale Grundlage zu sein und haben meine musikalische Vorstellungskraft während des gesamten Schaffensprozesses beflügelt.
2. Die erste Durchsicht der Partitur
Die Partitur liegt nun in gedruckter Form vor, und wir können eine neue Etappe im Entstehungsprozess eines Werks einleiten: die erste Leseprobe mit den Interpreten. Meiner Meinung nach ist dies der wichtigste Moment im Schaffensprozess: zum ersten Mal konkret die Musik zu hören, die man sich vorgestellt hat.
3. Die Analyse der Partitur
Anschließend analysieren wir die Partitur gemeinsam, um gegebenenfalls bestimmte Änderungen vorzunehmen. Erst nach Abschluss dieses Schritts – der übrigens dazu führen kann, dass bestimmte Passagen teilweise neu geschrieben werden – steht die Partitur fest und ist bereit für die erste öffentliche Aufführung. Jedes Projekt ist ein neues Abenteuer, das meist durch eine Begegnung ausgelöst wird – mit einem Künstler oder einem Interpreten. Die Begegnung mit dem Interpreten ist von entscheidender Bedeutung, insbesondere um Fragen hinsichtlich der technischen Besonderheiten und der Virtuosität zu klären.
Ein Musikstück an einen Interpreten oder ein Orchester weiterleiten
Ein Musikstück an ein Ensemble anpassen: Das Beispiel eines musikalischen Märchens
1. Die Entstehung einer Idee für ein musikalisches Märchen zwischen Improvisation und Virtuosität
Mein musikalisches Märchen, „Die virtuose Geige, die Angst vor der Leere hatte“, das 2014 komponiert wurde, ist ein Beispiel dafür. Ausgangspunkt für dieses Projekt war ein Gespräch zwischen dem Autor, Sänger und Improvisator Néry Catineau und dem Soloviolinisten Sergey Malov. Néry war beeindruckt von der Virtuosität dieses Violinwunderkindes. Sergey äußerte seine Bedenken gegenüber der Idee des Improvisierens, gab jedoch zu verstehen, dass er es gerne versuchen wolle.
Die Grundidee? Ein musikalisches Initiationsmärchen, das speziell für Sergey Malov konzipiert wurde und in dem Virtuosität und Improvisation Hand in Hand gehen. Die Besetzung: eine Solovioline, begleitet von einem Streichquartett, einem gemischten Chor und einem Sprecher.
2. Die Anpassung und Änderung der Partitur
Da sich der erste Teil der Partitur um die Frage der Virtuosität am Instrument dreht, ist er der schwierigste Teil. Wir müssen hier eine virtuose Partitur für ein Instrument komponieren, das wir noch nicht beherrschen. Und wie Sergey sagt: „Wenn du virtuose Partituren spielst und den Eindruck hast, dass es einfach ist, dann liegt das daran, dass es irgendwann während der Probe tatsächlich einfach wird.“
Wir versuchen dann, diesen gesamten Abschnitt so anzupassen, dass er so virtuos wie möglich wirkt. Konkret kann dies darin bestehen , bestimmte Arpeggien zu verändern oder Akkorde umzukehren, damit sich der Schwierigkeitsgrad in Gewandtheit verwandelt.
Der zweite Teil des musikalischen Märchens ist ganz anders: Hier geht es darum, nach und nach Improvisation in die Solopartitur einzuführen. Zu diesem Zweck erstelle ich eine Improvisationsanleitung mit verschiedenen Techniken, die es dem Solisten ermöglicht, sich je nach improvisiertem Abschnitt auf ein bestimmtes Vokabular zu stützen. Die Improvisation ist anfangs sehr gerahmt, wird dann aber immer freier.
💡Im Anschluss an diese Uraufführung erzählte uns Sergey Malov, dass ihm das Improvisieren dabei helfe, sein Instrument noch besser zu beherrschen, und dass er sich dabei immer freier fühle, ganz gleich, welches Repertoire er spiele.
Improvisation, Weitergabe und Abwandlung der Partitur
Die Vermittlung spielt in der Arbeit eines Komponisten eine wichtige Rolle. Im Jahr 2011 habe ich eine Jugendgruppe gegründet, die aus etwa zwanzig Kindern und Jugendlichen besteht. Das ursprüngliche Ziel war es, jungen Menschen, die keinen Zugang zur Musikpraxis und zu akademischen Ausbildungswegen haben, den Chorgesang näherzubringen. Sehr schnell gewann dieses Projekt an Bedeutung, und wir entschieden uns für einen interdisziplinären Ansatz nach dem Vorbild von Musicalschulen, bei dem Solgesang, mehrstimmiger Gesang, Theater und Tanz miteinander verbunden werden.
Der Ablauf: Wir arbeiten mit einem Repertoire aus Eigenkompositionen, und ich komponiere die Partituren maßgeschneidert, je nach Besetzung, Wünschen und Fähigkeiten der Jugendlichen. Das Einstudieren der Partituren erfolgt in erster Linie nach Gehör und aus dem Gedächtnis.
1. Improvisation: ein idealer Ansatz zur Förderung des Ausdrucks und des Gedächtnisses
Durch die Improvisation erhalten dann alle Zugang zur Musik, unabhängig davon, ob sie Noten lesen können oder nicht. Die Noten kommen erst in einem zweiten Schritt ins Spiel und helfen den Jugendlichen, sich zurechtzufinden, auch wenn sie Noten nicht genau lesen können. Diese Lernmethode bietet zahlreiche Vorteile:
Der interdisziplinäre Ansatz fördert die Interpretation der Partituren – sowohl hinsichtlich des Textes als auch der Projektion und Platzierung der Stimme sowie der Körperhaltung.
Das Lernen auswendig ermöglicht es, sowohl das Gehör zu schulen als auch die Musik im Körper zu verankern, was im konkreten Fall dieser Jugendgruppe die Qualität der musikalischen Darbietung fördert.
2. Die Überarbeitung der Originalpartitur
Der Entstehungsprozess einer Partitur erfordert zahlreiche Anpassungen, insbesondere während der ersten Proben. Es kommt sehr häufig vor, dass einige „ bars “ geändert, hinzugefügt oder gestrichen werden.
Abgesehen von den instrumentalen Gründen sind Korrekturen und Anpassungen an Partituren bei einer Bühnenproduktion häufig erforderlich. Bei einer Opern- oder Musicalproduktion nimmt die Musik zwar eine zentrale Rolle ein, ist jedoch funktional und steht im Dienst der Dramaturgie – sei es der des Textes oder der der Inszenierung.
Das Notenlesen ist der Schlüssel zum Verständnis der musikalischen Struktur, der Rhythmik und der Harmonie
Das Aufkommen digitaler Tools und Anwendungen, die es ermöglichen, das Lesen von Partituren sowie deren Kommentierung oder Korrektur in Echtzeit , stellt insbesondere für den Komponisten eine enorme Zeitersparnis dar. Vor dem Einsatz dieser Tools war es nicht selten, dass man von heute auf morgen einige „ bars “ einer Partitur korrigieren, diese Korrekturen sowohl in die Partitur als auch in die Einzelstimmen übertragen und für die weiteren Proben ein neues Exemplar erstellen musste. Digitale Tools bieten eine erhebliche Zeitersparnis: Die Korrekturen werden direkt in der Partitur vorgenommen, die nicht erneut gedruckt werden muss. Ist das nicht erstaunlich?!
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