Maxime Proix ist zertifizierter Lehrer für Musikpädagogik und Chorgesang. Bevor er im staatlichen Bildungswesen tätig wurde, verfasste er eine Forschungsarbeit über die Musik der Disney-Studios und deren Einsatz in Disneyland Paris. Er ist außerdem Saxophonist und verfügt über einen Abschluss in Orchesterleitung. Mit all diesen Erfahrungen bringt Maxime Proix hier sein Fachwissen ein, um uns den Ansatz zur musikalischen Sensibilisierung junger Schüler der Mittelstufe zu erläutern.
„Ich habe Musiktheorie“ oder „Ich habe Musik, das ist doch egal, das ist nur ein Nebenfach“: Diese beiden Sätze hört man immer wieder, und sie werden von Generation zu Generation von denen wiederholt, die Musik studieren – sei es am Konservatorium, an der Musikschule oder in der Mittelstufe.
Der Besuch eines „Musiktheorie“-Kurses an Konservatorien und Musikschulen ist in der Regel obligatorisch, um die Musiktheorie effizienter zu erlernen und so Musik zu machen. Für Anfänger umfasst dieser Kurs in den meisten Fällen eine Stunde. Mit zunehmender Erfahrung verlängert sich die Dauer.
Was versteht man unter „musikalischer Bildung“?
Der Musikunterricht in der Mittelstufe (vollständiger Name: Musikunterricht und Chorgesang) ist eine im Stundenplan fest vorgesehene Stunde. Das Erlernen der Musiktheorie wird teilweise zurückgestellt, um Musik auf direktere Weise zu gestalten, eine Musikkultur aufzubauen, eine fundierte (und objektive) kritische Meinung zu entwickeln sowie die schriftlichen Ausdrucksfähigkeiten und die mündlichen Präsentationsfähigkeiten zu fördern. Diese Arbeit fällt unter die Kompetenzen „Musikalische Projekte im Bereich der Interpretation oder des kreativen Schaffens umsetzen“ und „Erkunden, Entwerfen, Gestalten und Produzieren“.
Das Erlernen von Musik wird in den oben genannten Fällen negativ wahrgenommen. Im Falle des Unterrichts am Konservatorium findet die Praxis oft im Rahmen einer außerschulischen Aktivität statt, wobei die musikalische Ausbildung jedoch eher dem Frontalunterricht ähnelt. Und die Gestaltung des Unterrichts wirkt, auch wenn sie sich im Laufe der Zeit weiterentwickelt hat, abschreckend und wenig unterhaltsam: Man übt ununterbrochen das Notenlesen oder „ rythm “, um beim Lesen von Partituren an Flüssigkeit zu gewinnen, so wie man lernt, Silben, Wörter und schließlich Sätze zu lesen. Ich persönlich habe diese Zeit als langwierig und langweilig empfunden, die schon nach wenigen Minuten an Reiz verlor.
Das Erlernen von Musik neu beleben
In der Mittelstufe wird der Musikunterricht von den Schülern als nebensächlicher Bestandteil des Stundenplans angesehen, der weniger anstrengend ist als die drei oder vier Wochenstunden in Französisch, Mathematik oder Geschichte. Dieses Bild wird von den nachfolgenden Generationen genährt, die glauben, der „Musikunterricht“ sei eine Stunde, in der man klassische Musik hört und Flöte spielt. Kürzlich wurde mir bei Elterngesprächen erneut die Bemerkung gemacht: „Meine Tochter liebt Musik, sie singt zu Hause, sie ist ein großer Fan von [Name des aktuell angesagten Sängers]“. Der Musikunterricht hat noch viele Klischees zu widerlegen.
In solchen Momenten gilt es daher, durch spielerische und interaktive Aktivitäten diese vorgefassten Meinungen über Langeweile und Uninteressantheit auszuräumen.
Lernen durch mündliche Vermittlung
Das Lernen durch mündliche Überlieferung ist ein Verfahren, das bereits vor der Einführung der Notenschrift (die sich ab dem 10. Jahrhundert entwickelte) angewendet wurde. Es erfolgt im Dialog zwischen einem Solisten oder einer Solistengruppe und einem Chor, der der ersten Gruppe antwortet. In den Volkskreisen ist diese mündliche Weitergabe ein wesentlicher Bestandteil des Lernens von Musik und Musikstücken: Sie ermöglicht es, ein Lied relativ schnell zu erlernen und eine Botschaft wirkungsvoll zu vermitteln.
Das Lernen durch mündlichen Ausdruck ist ein sehr wichtiger Aspekt. Es ermöglicht die Entwicklung des Hörvermögens und des Verständnisses der vier Klangparameter (Klangfarbe, Tonhöhe, Dauer, Lautstärke). Die Arbeit kann individuell erfolgen, indem man den eigenen Körper erkundet, oder in der Gruppe durch ein Frage-Antwort-Spiel oder durch Nachahmung zwischen dem Sänger und den Zuhörern. Die „Antwortgruppe“ wird bewusst oder unbewusst darüber nachdenken, welche Klangparameter sie einsetzen muss, um die „Solistengruppe“ nachzuahmen.
Indem man sein Instrument oder seine Stimme einsetzt und aufmerksam zuhört, erkundet man die Parameter, die man lediglich mit einem Begriff verknüpfen muss. Erst durch die Wiederholung dieses Vorgangs lassen sich die Parameter verstehen.
Die Mobilisierung des Körpers
Der Einsatz des Körpers ist ein Mittel, um die verschiedenen Parameter zu veranschaulichen, aus denen sich ein Klang und damit eine Partitur zusammensetzen. Die Verknüpfung einer Geste mit einem musikalischen Akt hinterlässt einen stärkeren Eindruck im Bewusstsein des jungen Musikers.
Um beispielsweise eine langsame musikalische Phrase zu gestalten, kann man eine langsame, ausholende Armbewegung ausführen oder mit langsamen Schritten gehen, die man mit dem Takt verbindet. Dieses Prinzip ermöglicht es zudem, die Tempostabilität zu verbessern und ein Bewusstsein für das Tempo eines Musikstücks zu entwickeln.
Um die Stimmlage (hoch, mittel, tief) zu variieren, genügt es, die Höhe des Arms oder des Körpers anzupassen; die Intensität lässt sich durch kleine oder ausladende Gesten steuern.
Der Klang lässt sich durch ein Spiel mit Hilfsmitteln erarbeiten, die echte Instrumente imitieren (eine Pfeife für Holzblasinstrumente, ein Flaschenhals für Blechblasinstrumente oder Schnüre für Saiteninstrumente).
Anschließend genügt es, genau wie beim mündlichen Lernen, diese Geste – die viel visueller ist als bei einem rein musikalischen Nachahmungsprozess – mit einem Begriff zu verknüpfen.
Die Angst vor der Partitur überwinden
Der Umgang mit einer Partitur ist für einen Laien oder Anfänger eine Herausforderung: Musik ist eine Sprache, und ihr Erlernen ähnelt dem Erlernen einer Sprache. Die Noten in Verbindung mit den Rhythmen lassen sich mit Silben vergleichen, eine Notengruppe mit einem Wort, und um eine Abfolge von Rhythmen zu bezeichnen, verwendet man den Begriff „Phrase“ mit ihren Pausen und Kadenzen.
Der Partitur mehr Substanz verleihen: das Stripsody-System
Genauso wie bei der körperlichen Bewegung und der visuellen Dimension der Musik lässt sich auch eine andere Art finden, eine Partitur zu lesen und somit zu interpretieren. Cathy Berberian, eine Komponistin des 20. Jahrhunderts, wendet dieses Verfahren bei „Stripsody“ : Die Künstlerin schuf eine Partitur in Form eines Comics und verbindet darin das Prinzip der musikalischen Partitur mit der oben erläuterten körperlichen Beteiligung.
Ein Notensystem erstreckt sich über drei Zeilen (Diskant, Alt und Bass), und die Größe sowie die Strichführung der Noten ändern sich je nach der von der Komponistin gewünschten Tonhöhe und Lautstärke.
Die Verbindung von körperlicher Bewegung und einer grafisch nicht-musikalischen Partitur ermöglicht es somit, sich die verschiedenen Klänge und Klangparameter vorzustellen und diese anschließend bildlich wiederzugeben. Ganz im Sinne dieser Herangehensweise erstellt der Schüler eine Notation, die auf seine Bewegung abgestimmt ist.
Den Musik-Lesetisch in einen … Comic verwandeln!
Im folgenden Fall, bei einem Schüler der 6. Klasse (im Alter von 11 bis 12 Jahren), lautete die Aufgabe, eine Partitur in Form eines Comics zu einem bestimmten Thema (hier: Tiere) zu erstellen, dabei eine Kulisse zu entwerfen und die Parameter des zu erzeugenden Klangs genau zu beschreiben. Man erkennt, dass die gewünschte Reihenfolge „Schaf – Fisch – Eule“ lautet, wobei die fettgedruckte rote Schrift ein recht lautes Eulengeläut anzeigt, die Länge des „beeh“ einen langen Schafschrei und die Leise des „bloup bloup“ einen unauffälligen Fisch. Vor der Erstellung der Partitur musste der Schüler ausgehend vom Thema nach Klängen suchen, diese interpretieren, bearbeiten und eine Analyse seiner Interpretation vornehmen.
Fazit: Das spielerische Lernen in den Vordergrund stellen, ohne dabei das theoretische Notenlesen zu vernachlässigen!
Auf der Grundlage dieser Arbeiten fällt es leichter, Schüler mit Verständnisproblemen, Schüler ohne musikalischen Hintergrund oder Schüler, die im Unterricht den Anschluss verloren haben, wieder einzubinden. Der spielerische Aspekt beseitigt jegliche Form von Angst oder Demotivation gegenüber einer Partitur, die oft als komplexes Dokument angesehen wird, das nur für Fachleute bestimmt ist.
Wie bei jeder Art des Unterrichts ermöglicht das spielerische Lernen, bei dem die Aufgaben und die behandelten Konzepte in eine Spielsituation eingebettet werden, einen leichteren und verständlicheren Zugang zu den Grundlagen der Musik.
Allerdings können diese Lernerfahrungen für ein junges Laienpublikum das theoretische Lernen im Unterricht – und damit das Lesen von Noten und Rhythmen sowie alle anderen Übungen zum Lesen und Hören – nicht vollständig ersetzen.
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